通过 ANNATERESS FABRIS*
关于用途的考虑 北美动画电影中罗西尼歌剧选段
音乐是动画电影的基本元素，因为它有助于识别“角色、流派、风格和语言”。 为此，导演、音乐家和动画师必须共同努力，要么根据音乐放弃某些动作，要么根据要评论的动作加长或缩短音乐。 Guido Michelone 和 Giuseppe Valenzise，他们的书中首先考虑了这个主题，他们认为这种合作有助于动画本身的发展。 在他看来，遵循音乐节拍的需要“约束了设计师的工作，迫使他们总是找到最简洁的方式来精心设计一个动作，而不需要额外的框架。 这有助于寻找行动的本质和作为其基础的想法”。
如果沃尔特迪斯尼无疑是在动画世界中引入声音的先驱，这要归功于 蒸汽威利 (威利汽船, 1928), 人们不能忘记 Fleischer 工作室用这个系列所做的实验 Ko-Ko song 汽车曲调 （也称为 歌曲汽车曲调) 1924 年至 1927 年间。Max 和 Dave Fleischer 于 1924 年发明了 弹跳球，其中包括一个动画球，在一首流行歌曲的歌词中从一个音节跳到另一个音节，这样观众就可以在室内管弦乐队的伴奏下一起唱歌。 工作室的主要动画师 Richard Huemer 回忆说，第一部被演唱的动画是 噢玛贝尔，于 1924 年在纽约的 Circle 剧院演出。 公众非常享受这次经历，以至于剧院的导演再次放映了这部电影，证实了弗莱舍兄弟的直觉，他们随后致力于制作无数被传唱的磁带。
该系列中的 1920 部电影是使用李·德·福雷斯特 (Lee De Forest) 于 1928 年获得专利的 Phonofilm 系统制作的。 传输到扬声器，这些产生了波浪。 在这种情况下，应该突出显示另一个在动画史上鲜为人知的名字。 XNUMX年，保罗·特里在约翰·福斯特的协助下执导了短片 晚餐时间，这是一组受伊索寓言启发的动画的一部分。 这部由 Josiah Zuro 使用“同步”声音的电影于 1928 年 14 月在纽约斯特兰德剧院上映，并于 XNUMX 月 XNUMX 日正式上映，但并未引起公众的兴趣。 这种反应可能归因于这样一个事实，即伴随着啄木鸟和猫以及狗寻找骨头的故事的音乐被认为是背景，而没有表现出动作和声音之间更亲密的关系。
的首次亮相 蒸汽威利 相反，18 年 1928 月 XNUMX 日在纽约环球殖民地剧院举行的这部影片代表了漫画史上的一场革命。 灵感来自 爵士歌手 (爵士歌手)，由艾伦·克罗斯兰执导并于 1927 年上映，迪士尼使用的配乐由两首歌曲组成： 汽船比尔，在 1910 年代由男中音亚瑟·柯林斯 (Arthur Collins) 推广，以及 稻草里的火鸡，在 XNUMX 世纪广泛演出。 负责配乐的人——威尔弗雷德·杰克逊和伯特·刘易斯——在电影的开场部分使用了第一首歌； 第二节奏是最后一部分，米奇和米妮与各种动物互动，用作留声机（山羊）、打击乐器（猫和鸭）和木琴（牛）。
如果磁带的第二部分以不寻常和有趣的情况为特征——从山羊嘴里发出的音符，它吞下了 ukelele 和米妮的乐谱； 牛的嘴变成了木琴，它最引人注目的是它有时获得的哑剧音调，这是动作和声音之间内在关系的直接结果。 根据伦纳德·马尔丁的说法，这首歌的出现有助于将影片卖给观众和电影业。 这些早期有声录音带吸引人们的是角色（甚至无生命物体）与音乐节拍同步移动的想法。
由于动画片的成功，动画片的视觉和声音方面之间的同步原理最终被称为“米老鼠” 蒸汽威利. 根据 Michel Chion 的说法，“mickeymousing”包括通过完全同步的音乐形象和动作来强调和伴随电影图像中发生的动作和动作，同时可以表达“转换为音符音乐剧的程式化噪音” . “米老鼠”是一个更大的现象的一部分，作者称之为“同步”，这是一个包含术语“合成”和“同步”的新词。 “由于其简单的同步性，准时声音现象和视觉现象之间的自动心理生理关联”，同步性允许卡通系统化声音和图像之间的非自然关系。
参考系列 愚蠢的交响乐 (傻交响曲)，Chion 说：“任何与音乐音符同步绘制的对象都被转化为该音乐，而这又被转化为对象。 与电影世界相比，同步使得绘制的世界更容易歌舞，因为前者更具可塑性、抽象性和程式化。 因此，世界反对服从节奏和旋律的抵抗力下降了”。
该系列的第一部电影 愚蠢的交响乐 由于 Carl Stalling 构思的配乐，代表了“米老鼠”的雄辩例子。 这个灵感来自爱德华·格里格[1] 创造一个狐步舞，Ub Iwerks、Les Clark 和 Wilfred Jackson 从中创造出独特的骷髅舞。 由迪斯尼执导并于 1929 年 XNUMX 月上映， 骷髅之舞 (骷髅舞) 是对以墓地为背景的中世纪“恐怖舞蹈”的有趣重新诠释。 其中，四个骷髅跳舞并演奏音乐，取得了极富创意的效果，尤其是在其中一个骷髅的脊椎变成木琴的序列中。 该杂志 品种，在这个序列中检测到磁带的高点，还突出了“完美同步”的木琴伴奏，完成了电影制作人所追求的效果。
在巴西推出，名称为 恐怖之舞, 这部电影受到马里奥·德·安德拉德 (Mário de Andrade) 的热烈欢迎，他将其定义为“一部完美的杰作，是电影迄今为止发明的最完美的东西之一。 绘画的质量，态度的发明，音乐效果的目的，格里格和其他作曲家的模仿，爵士乐对此的完美应用，赋予了这部电影出色的艺术品质。 这些都是有声电影的杰作。 其他的一切都能时时呈现出极好的效果、新的品质，但要么只是尝试，要么就是迷茫、单调和平庸的修养。”
这些话清楚地表明，作家对电影中声音的使用不满意，归结为“一些最糟糕的伤感小说和爵士乐”，在“开场小电影”中看到了创造性的出路。 音乐给卡通带来了喜剧效果，这对他来说很重要，因为他认为漫画是“我们这个时代艺术创作中最突出的部分”。 除了迪斯尼的制作，安德拉德还赞赏“猫系列”，它“形成了一条由令人钦佩的小电影组成的项链”。[2]
Stalling 围绕配乐制作动画的想法将被其他工作室采用，扩大米老鼠现象。 重要的是要记住，这形成了一种作曲技巧，部分灵感来自于为无声电影伴奏的音乐家所使用的即兴创作和音乐建议的汇编。 事实上，Stalling 的职业生涯始于 1920 年代，当时他在堪萨斯城的 Iris 剧院担任管风琴手，在那里他遇到了迪士尼。 1928年导演请他为电影配乐 飞驰的高乔人, 飞机狂 e 谷仓之舞. 其中，只有最后一部是有声电影，于 15 年 1929 月 30 日上映； 另外两部被认为是默片，分别于 1928 年 17 月 1929 日和 XNUMX 年 XNUMX 月 XNUMX 日以新格式上映。 在这些成就中，Ross Care 强调了这些成就 飞机狂，其中 Stalling“头晕目眩”地将公众已知的旋律片段拼凑在一起，这些旋律属于公共领域。
1929 年至 1930 年 XNUMX 月期间，斯托林在迪斯尼工作室制作了两种类型的作品：音乐将适应动作的动画（尤其是米奇主演的动画）和动画片，其中音乐将成为决定性元素并随之调整动作。到配乐（愚蠢的交响乐). 第二种解决方案是一项创新，因为一般来说，音乐会根据动作进行调整。 拖延也负责在系列中不使用术语“音乐”和“音乐”以避免司空见惯的想法。 标题 愚蠢的交响乐 就是这样设计的结果，配上了一个“漫画字”。 该系列的主角也由音乐家建议，他提出“无生命的人物，如骷髅、树木、花朵等，它们在或多或少的喜剧中栩栩如生，跳舞并执行其他适应音乐的动画动作和韵律精神”。
在 Iwerks 的工作室工作一段时间后， 自由职业者 1936 年 XNUMX 月，斯托林受聘于华纳兄弟公司。在新工作室，他加入了两个动画系列的团队非常成功： Looney Tunes的 （创建于 1930 年）和 梅里旋律 （于 1931 年推出）。 与 Tex Avery、Bob Clampett、Friz Freleng、Robert McKinson 和 Chuck Jones 一起，Stalling 参与了“乐一通风格”的创作，其特点是存在苗条、笨拙、敏捷、反英雄主义、大胆有趣的人在减少到最低限度的场景中采取行动，只是为了定位行动。 摄像机角度的变化、华丽的剪辑和对时间的绝对掌握加速了幽默。 事件的持续时间被快速、紧密协调的音乐提示所打断，这些提示可能伴随着乐器或录制的声音效果。
在迪士尼工作室，斯托林负责创作 XNUMX 世纪的歌曲和古典音乐。 相反，在华纳，他拥有大量流行曲目，其版权属于制作公司。 该公司的政策是在动画中使用已包含在故事片配乐中的音乐。 现场录制 以诱导公众购买。 在配乐上 愚蠢的交响乐，作曲家利用了歌剧的选段 《卡门》 （1875 年），乔治·比才 (可怕的斗牛士, 1929); 在 培尔金特 （1876 年），格里格着； 在 喃喃的花 (1902)，弗朗茨·冯·布隆着，作者 时辰之舞 （1876 年）； 在 阿米尔卡·庞基耶利，来自 巴黎欢乐 （1858 年），雅克·奥芬巴赫 (Jacques Offenbach)（春季，1929 年）； 在 培尔金特 和 木偶的葬礼进行曲 （1872 年），查尔斯·古诺 (Charles Gounod)地狱的钟声, 1929); 在 游吟诗人 （1853 年），朱塞佩·威尔第 (快乐的小矮人/快乐的小矮人，1929）。[3]
除了这些为默片观众所熟知的古典音乐主力之外，斯托林和来自华纳兄弟和其他制作公司的其他音乐家将加入歌剧。 塞维利亚的理发师 （1816 年），焦阿基诺·罗西尼 (Gioacchino Rossini) 的作品。 卡瓦蒂娜自由广场=[4], 由费加罗在歌剧 buffa 的开头演唱，Stalling 在几个标题中使用了它： 你应该去看电影 (你应该在照片里，1940）; 杀人的小夜曲 (给你的笔记，1941）; 鸭子们 （1942）; 东京城基 （1943）; 狂想兔 （1946）; 后巷喧嚣 （1948）; 指挥家兔八哥 (长毛野兔，1949）; 聪明的庸医 (1949); 和 我们走吧 （1951）。
罗西尼的咏叹调在斯托林的配乐中扮演了多个角色。 他利用该剧的精湛技巧迅速将其插入达菲鸭对弗雷德阿斯泰尔的模仿中，以说服该剧的制片人莱昂施莱辛格 Looney Tunes的 e 梅里旋律，让他在华纳的动画领域占据了加吉尼奥所占据的位置（你应该去看电影). 探索了类似的想法 狂想兔: 触摸时 匈牙利狂想曲 No. 二 (1847)，兔八哥开始唱“Fi-ga-ro! Fi-ga-ro！”，当谈到弗朗兹·李斯特 (Franz Liszt) 的一段让人想起罗西尼亚咏叹调的乐句结尾时。 在第二次世界大战期间制作的宣传片中，这位音乐家强调了鹅贝尼托墨索里尼 (Benito Mussolini) 的戏剧性一面（鸭子们) 及其与过去而非未来的关系 (东京城基).[5] 在1942年的动画中，罗西尼的音乐也为德军的前进铺平了道路； 在次年的那首曲子中，曲子的演奏速度稍纵即逝，在其活泼的节奏和忧郁的墨索里尼坐在废墟上玩溜溜球之间形成了对比。
Em 杀人的小夜曲 e 后巷喧嚣[6]，卡瓦蒂娜分别由野猫和弗拉约拉在绘画开始时演唱； 但如果考虑到勤杂工的想法，可以认为它是所有动作的公共线程。 第一部电影中的无名猫，被书击中 博士傅满洲, 把它还给 Porky 傅满洲归来; 在电话里唱歌； 偷了一个碟子和一瓶牛奶并留下了感谢信； 用锅盖发出声音； 他与他的追求者一起出演了经典的平行比赛场景； 给他唱摇篮曲，把他哄上床，然后打开收音机； 玩弄栅栏，又一次唱歌； 他被猪射中，唱着歌剧死去； 他们的九生唱着“六重奏” 拉默莫尔的露西亚 （1835 年），加埃塔诺·多尼采蒂 (Gaetano Donizetti) 的作品，从磁带结束时玻璃破碎的声音判断，激怒了对手，他将自己扔出窗外。
闲聊[7] 七年后，他再次拍摄了一个非常相似的故事，但赋予它更疯狂的基调和荒谬的暗示。 Frajola 的对手是 Elderman Trocaletras，被猫的歌声阻止睡觉。 受到扔东西的威胁，猫科动物进入屋子，上下楼梯唱歌； 回到院子，被书撞到 瘦子 并寄回 瘦人归来; 在电话里唱歌； 他在台阶上涂抹油脂，在地板上钉钉子，弄伤了埃尔默·曼。 像在舞台上一样载歌载舞； 请求一只猫的帮助来改善音乐会； 他指责迫害者缺乏“审美意识”和“音乐鉴赏力”； 唱摇篮曲，让对手上床睡觉，并炫耀自己是管弦乐队的人； 划过栅栏的小船； 喝明矾牛奶失声； 在一堆垃圾上模仿斯派克琼斯唱歌 化装的天使 （1940）。 埃尔默曼被激怒了，用炸药除掉了弗拉约拉，他们都死了。 当他相信自己终于找到了平静时，这个人却被猫的九命灵魂包围了。[8] 唱着多尼采蒂的咏叹调，从云端坠落。
Em 聪明的庸医，罗西尼的咏叹调作为达菲鸭作为理发师的“天赋”的简要说明。 已经在 我们走吧, 它用于在兔八哥的监督下为克里斯托弗·哥伦布的船员登船打节奏，在音乐和图像之间创造动态的衔接。 “Largo al factotum”最有创意的运用无疑是在 指挥家兔八哥，其中 Stalling 和 Chuck Jones 之间的合作成功地达到了音乐节奏和视觉节奏之间完美结合的维度。 代表流行音乐的兔八哥和嫉妒他的古典曲目的男高音乔瓦尼琼斯之间的冲突，远远超出了一套 堵嘴 联系在一起，因为它涉及两种文化概念。 当兔子在树林里用班卓琴、竖琴和大号伴奏时，他在树林里唱着他的流行曲目，而在附近的房子里，男高音琼斯正在排练“自由广场”。 兔八哥的音乐干扰了排练，促使琼斯唱了一首 里约的一个雨夜 (1947) 以一种可操作的方式； 边跳边唱第二首歌的歌词； 当兔子演奏大号时，伦巴的音符从嘴里发出。 男高音对排练的干扰感到震惊和愤怒，三次惩罚发誓报复的歌手。
正如 Daniel Goldmark 所写 卡通曲调：音乐和好莱坞卡通片，男高音与兔子的冲突不仅仅源于前者的排练被奇怪的音乐干扰打断了三次。 他愤怒的原因首先在于屈服于一种与高雅文化格格不入的曲目，将他的声音浪费在“反美学家”练习的不太精致的音乐上。 罗西尼的卡瓦蒂娜也是在兔子复仇开始的基地。 想要羞辱男高音，兔八哥打断了他的音乐会：当他唱一段咏叹调时 拉默莫尔的露西亚, 锤击房间的屋顶，使其振动并中断表演； 当琼斯回去展示罗西尼的节选时，他用液体明矾喷了他的喉咙，这导致他的头缩小了，他的声音也消失了。
如果说兔八哥和琼斯之间的冲突演变成一场文化战争，从幽默的角度来看待歌剧及其仪式，那么在其他场合，罗西尼的咏叹调就适合新的米老鼠练习。 Stalling 在华纳的合作者 Milt Franklyn 很快将这首歌的一小段用在了 一个青蛙的夜晚 （1955 年）强调密歇根 J. Frog 的一个特点，这是一只在拆迁中发现的青蛙：他会唱歌，但他只向将他从关押他的盒子里救出来的工人展示自己。 由沃尔特·兰茨制作， 塞维利亚的理发师 （1944 年）是同步音乐和动作的光辉典范。 主角啄木鸟以由埃默里·霍金斯和阿特·海涅曼设计的全新造型出现在这部由沙姆斯·卡尔汉执导的影片中：更加灵动的身体和衰减的怪诞特征。 音乐总监达雷尔·卡尔克 (Darrell Calker) 是“米老鼠”最伟大的代表之一，他设法在角色的歌声和他越来越疯狂、明显疯狂的动作之间建立了相同程度的节奏活动。
罗西尼的咏叹调远远超出了对动作的评论：它融合了角色的狂热，这个角色被音乐冲昏了头脑，吓坏了他照顾的客户。 啄木鸟的歌声是机械加速的，以配合它的声音和动作的速度。 罗西尼的咏叹调几乎完整地唱了出来，开始于啄木鸟准备剃须泡沫的那一刻，他将用剃须泡沫覆盖客户的头、脸和鞋子，客户是意大利血统的土木建筑工人。 鸟儿完全听从了歌声，危险地挥舞着剃刀； 中断工作以显示他的精湛技艺； 跳起来优雅得像个舞者； 寻找隐藏的工人； 乘以“费加罗！ 费加罗！ 费加罗”； 不让“受害者”逃脱，最后以自我赞美结束他的服务（“哦，好样的费加罗！ Bravo, bravissimo: a te fortuna non mancherà”）。 客户退出时伴随着“城市的事实” 以及啄木鸟典型的尖叫声，但进展并不顺利，因为该男子返回并将他从窗户扔进了大厅。
两个 Metro-Goldwin-Mayer 动画 – 魔术大师 （1952）和 楼上是猫，楼下是老鼠 (上猫下鼠, 1964) – 也使用罗西尼的咏叹调。 第一部由 Tex Avery 执导，Scott Bradley 配乐，Butch Dog 扮演 Great Poochini（改编自 Giacomo Puccini），他正在排练“自由广场”在更衣室里。 他被找工作的魔术师米斯托打断，生气地把他赶了出去。 后者决定报复并使用魔杖干扰歌手的表演。 他代替指挥，当 Poochini 在排练的咏叹调中炫耀时，他开始让从口袋里掏出来的鲜花、兔子和手帕出现在舞台上。 总是唱歌，男高音经历了一系列转变：芭蕾舞演员、印度人、网球运动员、囚犯、美式足球运动员、中国人、乡村歌手、拿着气球的孩子、卡门米兰达、比尔肯尼和“霍皮”琼斯（均来自 Ink Spots）[9] 最后是夏威夷勇士。 当 Poochini 识破诡计时，他拿起魔杖对 Mysto 进行同样的处理，直到写着“The end”的幕布落在他身上。
文化污染的主题，这是第一部分的核心 指挥家兔八哥, 涵盖了整个持续时间 魔术大师 与歌手的狂热变革主义。 如果说，在琼斯执导的短片中，兔子居住的乡村环境与男高音住宅的优雅形成鲜明对比，暗示着自然与文化的对立，那么在艾弗里的作品中，所有的动作都发生在一个资产阶级的庙宇，音乐厅。 菲利普·布罗迪 (Philip Brody) 的想法，即兔八哥的歌声“产生了一种音乐学话语，感染了男高音歌剧咏叹调的精致谱系”，可以应用于 魔术大师，其中传染的主题是各种行动的主旋律。 有什么区别"自由广场” 的 XNUMX 世纪传统歌曲，例如 哦我亲爱的克莱门汀 （乡村歌手）和 A-tisket A-任务 （拿着气球的女孩），来自 妈妈我要 e 我拥有的一切都是你的 (1933)，由 Kenny 和 Ink Spots 深沉的声音表演？ 它们都是大众文化的一部分，尽管歌剧爱好者不承认这个事实。
电影中一位观众反对对 Poochini 表演的持续干预，象征着不愿接受新的文化制度。 然而，他的干预无非就是强调这种相互依存关系。 当她在舞台上扔水果时，卡门米兰达的形象出现了。 当他用喷墨打印机将 Poochini 的脸染黑时，他变成了 Bill Kenny。 当他推出动画的不朽铁砧时，“Hoppy”Jones 出现了……如果记得指挥的形象是 Scott Bradley 的漫画，那么贯穿叙述的幽默音符变得更加尖锐，负责污染具有流行和大众剧目的歌剧。 音乐总监和 Avery 设法在音乐和电影动作之间创造出节奏感，不允许“干扰”打断 Poochini 表演的节奏，其连续转变增加了对高雅文化世界的讽刺观点。
虽然“mickeymousing”在 1960 年代开始被摒弃，但它仍然是 楼上是猫，楼下是老鼠，其中所有动作都围绕着罗西尼的卡瓦蒂娜展开。 汤姆饰演的男中音托马西诺·凯蒂-卡扎扎以唱咏叹调的前两段开始表演，惹恼了住在舞台下正在睡觉的杰瑞。 两人之间开始发生冲突，这导致歌手离开舞台进行康复。 回来后，汤姆从头拿起咏叹调，跳上舞台，把老鼠的房子弄得一团糟。 在演唱第三节时，Jerry 出现在舞台的开头，要求安静并开始两人之间的新战斗，随着一段艺术段落的声音展开（“V'è la risorsa/poi del mestiere/colla donnnetta… col cavaliere”）以及歌剧中最著名的时刻，费加罗吟唱着“大家都在一起，大家都在一起”。 当阿汤哥专心唱歌的时候”城市的事实”，杰里松开其中一个窗帘重物，猫跳进了坠落物体打开的洞里。 然而，演出并没有停止。 身着戏服的杰瑞唱着最后的咏叹调赢得了热烈的掌声。
Chuck Jones 和音乐总监 Eugene Poddany 之间的互动促成了该磁带的哑剧特色。 猫和老鼠之间众所周知的冲突随着音乐在动作上留下的不同节奏而增加深度，而没有起到说明或评论的作用。 相反，多亏了音乐，喜剧场景才具有荒诞的特征，将哑剧变成了对歌剧世界的讽刺，随时准备以奇观的名义接受任何事物。
对抒情世界的讽刺始于不成比例的豪华轿车，其顶部是金色的丘比特，男中音到达剧院。 它的内部让人想起一个品味可疑的客厅，因为它装饰着古董半身像、枝形吊灯、花瓶、相框、巨大的瓶子和香槟杯、托马西诺躺在上面的沙发和一张地板上铺着兽皮地毯。 这位歌手的性格特征是一系列具有讽刺意味的姿势和举止，从他在歌迷面前表现出的自给自足的空气开始。 在舞台上，男中音在表现出凄美的态度之后，先是一脸愤怒，然后变得一本正经，依次是得意、傲慢、狂喜。 相反，杰瑞看起来像一个快乐的小精灵，能够将卡瓦蒂娜的结尾变成百老汇音乐剧：他跳舞，用汤姆在舞台下方扔出的扫帚飞翔，并以轻盈的姿态降落芭蕾舞女演员，在剧中注入了不寻常的优雅。
迪斯尼工作室并没有对罗西尼咏叹调的召唤免疫，在故事片的一个片段中使用了它 音乐大师！ (制作我的音乐)，于 20 年 1946 月 XNUMX 日在美国上映。想在大都会歌唱的鲸鱼“）[10] 它的亮点之一是以歌唱技巧着称的抹香鲸威利与商人泰蒂-塔蒂之间的相遇，后者受到约拿和鲸鱼故事的启发，认为自己吞下了一位歌手。 为了炫耀他的技能，威利唱着“自由广场”; 将 Tetti-Tatti 的船升到“费加罗！ 费加罗！”； 一边潜水一边念诵“一路回来…”; 和“的节奏无关”Figaro su, Figaro giù 费加罗”。 当“Bravo, bravissimo”部分终于开始时，他让船上的水手们很高兴，他们为他鼓掌并阻止他被 Tetti-Tatti 俘虏。 在展览期间，解说员展示了威利是一个“歌唱奇迹”，因为他被赋予了三个小舌和三种音色（男高音、男中音和低音）。
抹香鲸歌唱罗西尼亚咏叹调的孩子般的快乐，以及它为说服经理相信它的才华而开的玩笑，与它在想象中的插曲中表现出的严肃态度形成鲜明对比。 在世界各地的音乐厅取得巨大成功，威利演奏了一首唤起咏叹调的作品“维斯蒂拉朱巴” 的丑角 (1892)，作者 Ruggero Leoncavallo[11], 除了摘自 特里斯坦和伊索尔德 （1865 年），理查德·瓦格纳 (Richard Wagner) 和 梅菲斯特 （1868 年），阿里戈·博伊托 (Arrigo Boito) 着。 Tetti-Tatti 变成了 Mephistopheles，决定了故事的悲惨结局：他用鱼叉杀死了消失在北极海域的 Willie。 不一会儿，头顶传来他的声音，唱着喜歌剧中的“愿上天饶恕他们” 玛莎 (1847) 弗里德里希·冯·弗洛托 (Friedrich von Flotow)。
“自由广场” 是动画电影中使用最多的古典音乐，但罗西尼歌剧的另一段选段作为两部动画片的配乐，分别于 1948 年和 1950 年首映。由威廉·汉纳和约瑟夫·巴贝拉执导， 烫伤的猫 (小猫挫败)[12] 开场时汤姆和杰瑞之间的冲突节奏[13] de 塞维利亚的理发师, 送给姑娘们 （1945） 我的蓝色天堂 （1926）和 奥尔德朗·辛尼 (1907)，在巴西被称为 告别华尔兹. 音乐总监斯科特·布拉德利 (Scott Bradley) 以罗西尼 (Rossini) 的音乐作为开场曲，时而停顿，但在汤姆试图用玩具火车碾过杰瑞的戏剧性片段中，节奏越来越快。 随着动作变得更加兴奋，音乐逐渐增强以配合猫的心情：专注于前景，他看起来很疯狂。 行动的狂热与之间的关联 包括 当猫科动物掉进杰里的金丝雀朋友扔出的保龄球打开的洞时，这首歌达到了高潮。
第二个动画， 塞维利亚兔 (塞维利亚的兔子) 发生在好莱坞露天剧场的舞台上，兔八哥和埃尔默曼在一场追逐中爆发。 停顿几乎完全保持了罗西尼片的基本结构，抑制了一些重复的段落并采用更快的节奏以适应查克·琼斯执导的动画片的持续时间。 理查德·弗里德曼 (Richard Freedman) 认为，斯托林 (Stalling) 和琼斯 (Jones) 之间的合作关系在这盘磁带上达到了顶峰，其中罗西尼 (Rossini) 的音乐充当了一场“令人难忘的争论”的脚手架。 音乐理念——抒情的旋律、突然的管弦乐切分音、罗西尼式的渐强——被翻译成“锋利的剪刀、飞行的蔬菜、滚动的理发椅和滑稽的枪战”。
熟悉的音乐和熟悉的角色并置提供了“喜剧哑剧的精彩时刻”，其中一个是与 费加罗的婚礼 (1786) 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特 (Wolfgang Amadeus Mozart)。 如果这部电影揭示了罗西尼戏剧的喜剧可能性，那么人们就不能忘记琼斯构思的是“歌剧中的歌剧”[14]，直接关系到埃尔默和兔八哥之间永恒的冲突。 Goldmark 毫不畏惧地表示，如果音乐引导动作，那么毫无疑问， 堵嘴 与其说是歌剧本身，不如说是闹剧喜剧。
罗西尼的音乐非常有效地强调了情节的喜剧情境和兔八哥的转变——理发师、宫女、耍蛇人——这使埃尔默受到各种待遇，往往带来令人烦恼的结果。 毫无疑问，最搞笑的时刻是埃尔默和兔八哥的婚姻， 婚礼进行曲 (1842) 菲利克斯·门德尔松 (Felix Mendelssohn)。 Elmer Hortelino 打扮成新娘，最后掉进了一个华丽的大蛋糕，上面写着： 费加罗的婚礼. 与此同时，兔八哥看着镜头，微笑着，一边吃着胡萝卜，一边打破第四面墙并大喊“下一步”。
弗里德曼并不完全不同意戈德马克提出的假设，他写道，这些“愚蠢”的图画的声音可以让人钦佩艺术能力和博学，有时会受到疯狂的启发。 此外，评论家指出，在这些电影的配乐中使用古典音乐具有教育功能：它可以作为年轻观众进入“遥远的音乐和音色世界”的切入点，否则他们就不会接触过这个曲目。 希拉里·波里斯 (Hilary Poriss) 也加入了他的行列， 塞维利亚兔 它可以被认为是“对这种音乐在歌剧院之外影响最深远和无与伦比的介绍”，不仅针对儿童观众，也针对成人观众。
显然，这种教育功能有它自己的基调，因为动画磁带的音乐总监对他们使用的作品没有表现出任何尊重，这些作品通常来自已知的曲目。 如果，一方面，他们相信所选歌曲的历史意义，另一方面，他们会毫不犹豫地将它们屈服于制作的设计。 他们缩短了它的持续时间，在某些段落中印上更快的节奏，构思真正的漫画，提出新的配器，因为事实上重要的是定位一个场景，刻画一个人物和一个情境，暗示一种心态。 伦纳德·马尔丁 (Leonard Maltin) 在回忆音乐如何构成动画的支柱时非常强调这一点。 其作用是对动作进行带动和评论，突出喜剧效果，烘托气氛，加快追剧速度。
以 Stalling 和 Bradley 的作品为指导原则，Daniel Goldmark 和 Yuval Taylor 写道，他们并没有将自己局限于用音乐来叙述他们精心策划的情节：他们增加了跌倒的速度，增加了头部的铁砧疼痛，爱情，激情和他们的工作台上经过的每个舞蹈序列都有节奏。 通过这种方式，他们取得的成就不仅仅是为他们的创作增添了生命：他们制作了卡通片“大一点 比生命”。 对于 Michael Barrier 来说，必须在 Stalling 的创新中寻找他将不同旋律的片段连接在一起的方式，通常在它们之间建立联系。 多亏了原始素材的“桥梁”，作曲家获得了原创的结果，即使是在回到旋律或为了喜剧效果而停留在旋律上时也是如此。
反过来，弗里德曼扩展了这种对著名歌剧作品的“充满活力的回收”的意义，将它们插入为 XNUMX 世纪流行舞台创作的模仿的悠久传统中，其中包括对瓦格纳和贾科莫迈耶贝尔的讽刺以及对克里斯托夫·格鲁克，就雅克·奥芬巴赫而言。 每个国家剧院似乎都选择“清空其崇高艺术形式的紧张严肃性，而不是偶尔夸大其显着特征并将它们与琐碎的形式并列”。 这种“语言和风格的大胆组合”并不只是回顾过去。
它与 XNUMX 世纪音乐先锋派的经验有关，它使用拼贴和引用等资源，如 Erik Satie、Karlheinz Stockhausen、Mauricio Kagel、Luciano Berio、Bernd Alois Zimmermann、Charles Ives 和 George 的例子所示罗什伯格。 在这种情况下，“mickeymousing”必须被视为一种特定的语言，它远非通过将古典音乐与屏幕上展开的动作联系起来而贬低古典音乐，而是赋予它新的活力和在框架之外聆听的新可能性。 , 由不和谐和不连续组成，符合 XNUMX 世纪的敏感性。
* Annateresa Fabris 是 ECA-USP 视觉艺术系的退休教授。 作者，除其他书籍外， 拉丁美洲摄影中的现实与虚构 （UFRGS 出版社）.
参考文献
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笔记
[1] 斯托林否认他插入了格里格的片段，但迪斯尼档案馆的大卫·史密斯声称工作室获得了在短片中使用音乐的许可。
[2] Andrade 指的是 Felix the Cat，由 Otto Messmer 为 Pat Sullivan 的工作室创作（1919 年）。 他花了一段时间才适应新型电影，起初，他聘请了雅克·科普夫斯坦为十五幅无声画作配乐。 同步并不总是完美的，动作和音效之间可能会有微小的差距。 1929 年至 1930 年间，沙利文工作室制作了十二部带有原声的电影。 由于电影院没有透露补片的片名，因此无法确定安德拉德看过哪些电影。
[3] Stalling 还负责 Summer（1930 年）和 Autumn（1930 年）的配乐，但未找到有关所用音乐的数据。
[4] 在“Largo al factotum”中找到了使用咏叹调的卡通片列表。 关于列出的其中一个标题 – 会说话的狗 –，只能确定由亚历克斯洛维导演的动画可以追溯到 1956 年。
[5] 标题是对日本首都（英语为东京）的名称和“笑话”（嘲笑），因为它的主要目标是日本人。
[6] 标题是一个文字游戏，带有“骚动”（喧嚣）和“歌剧”。
[7] 1967 年 XNUMX 月，该系列的其中一集 检查员 (1965-1969)，由 DePatie-Freleng Enterprises 出品，拾起嘈杂的猫情节（安静小队). 灵感来自雅克·克鲁索 (Jacques Clouseau) 的形象，来自 粉红豹 (粉红豹)，由布莱克·爱德华兹 (1963) 执导，检查员试图防止压力大的专员被任何噪音打扰。 然而，一只猫危及了设计：喵喵； 在屋顶上演奏马赛曲并跳舞庆祝 14 月 XNUMX 日； 尝试点燃烟花； 开始在篱笆上唱歌，但被检查员射杀了。 他的死并没有解决问题，因为猫的九条命唱着一首歌。
[8] 九命之魂的主题被用在晚餐时间，非常有创意。 从被啄木鸟割断的绳子上掉下来后，猫看到了自己的生命在上升。 抓住最后一个，然后快点回来。
[9] Ink Spots 是一个活跃于 1934 年至 1954 年的爵士乐乐队。Bill Kenny 是他们从 1936 年开始的第一位男高音。
[10] 1954年，该段单独开播，标题为 鲸鱼威利.
[11] 据说迪斯尼无法获得咏叹调的权利，导致负责该片段各种音色（女高音、男高音、男中音和低音）的纳尔逊·埃迪（Nelson Eddy）写了一首唤起它的作品，包括著名的打嗝。
[12] “的直译挫败”将被“击败”，但标题是对故事片的模仿 凯蒂·福伊尔（Kitty Foyle） (1940)，由山姆·伍德执导。
[13] 序曲已被作曲家用于之前的两部歌剧： Aureliano在帕尔米拉 （1813）和 伊莉莎贝塔，雷吉娜·德英吉尔特拉 （1815）。
[14] 宣布塞维利亚理发师表演的海报强化了“歌剧中的歌剧”的想法。 三位表演者的意大利语名字出现在上面：Eduardo Selzeri（制片人 Edward Selzer）、Michele Maltese（故事情节作者 Michael Maltese）和 Carlo Jonzi（导演 Chuck Jones）。
